viernes, 5 de agosto de 2011
Deconstructivismo y ornamento
Andrea Gutiérrez
Ensayo final
Teoría III
Carlos Mata
A través del tiempo, se ha cuestionado si el ornamento es necesario o no, si agrega belleza a sus obras o mas bien las recarga. Por ornamento, se habla de un conjunto de elementos o composiciones creadas para embellecer o complementar una obra arquitectónica. Desde las culturas antiguas, se puede ver como el ornamento es utilizado, desde los egipcios hasta los indios, griegos, hindús, hasta lo gótico de Italia se puede ver como sus obras y su arquitectura estaba llena y cargada de elementos. Esta arquitectura es bella y sus ornamentos hacen que llame la atención y es famosa por lo mismo, pero lo que se ha llegado a cuestionar es si esta ornamentación es necesaria hoy en día y si algunas de estas obras funcionarían si se eliminara era ornamentación, si son lo suficientemente fuertes por si solas sin lo extra.
Adolf Loos habla sobre como, según el, el ornamento no es nada mas que decoración, como establece Adolf Loos, “no creo que el placer de un trabajo lo produzca la ornamentación, ni tampoco creo que la ornamentación tengan un privilegio especial para la consecución de la felicidad.” Como se establece en esta cita, según Loos, el ornamento no es lo mas importante de una obra arquitectónica ni los sentimientos que se crean en un espectador son producidos por el mismo ornamento, si no que la arquitectura en si tiene que hablar por si misma, mas que los detalles que se le agreguen. Según el la ornamentación no crea felicidad, lo que hace que una arquitectura funcione son sus espacios y sus formas, mas que lo que va por fuera.
En el ultimo siglo, se ha dejado de lado la ornamentación, que aunque todavía esta presente en los trabajos de varios arquitectos de la época, ha pasado a ser la segunda importancia. Se ve como a principios del siglo XX se entra en una época de funcionalismo, en donde mas que los detalles entran en el primer plano la funcionalidad y la simpleza. Se toman en cuenta las necesidades básicas de un usuario para desarrollar un proyecto en torno a estas mismas y la mayor importancia es que ya una vez concluido el proyecto funcione de acuerdo a lo que se planeo.
El mejor ejemplo para hablar de esto es el arquitecto Mies Van Der Rohe, el cual empieza a emplear materiales como el acero el vidrio y el hormigón en su arquitectura. En su trabajo Farnsworh House, se denota como la simpleza se vuelve funcional y como con lo básico, las necesidades esenciales cumplen su papel y hacen que el espacio funcione perfectamente. El uso de materiales tan comerciales se da básicamente por la época de guerra en la que se vive, en la cual lo básico era lo que estaba en el mercado, mientras la mayor importancia iba a las armas. El vidrio, hormigón y acero era lo que mas se encontraba y fue lo que este arquitecto uso para sus obras. En donde las bases de la construcción son las líneas rectas y los volúmenes elementales. En estas, no hay presencia de ornamentos, quedo en el pasado, las líneas y figuras geométricas básicas son lo que se usa, mientras lo complejo y los detalles se dejan de lado. En sus obras las mismas estructuras de un trabajo quedan siempre a la vista y forman parte de lo estético del mismo.
Un arquitecto muy importante que implementa el funcionalismo es Le Corbusier, el cual cree que la arquitectura debe de basarse en tres principios primordiales del usuario, los cuales se denominan habitar, trabajar y relajarse. Con esto se refiere a que una obra debe de ser simple y pura, pero debe adaptarse a las tres necesidades de el usuario al que este dirigida y al cual le permita habitar trabajar y relajarse, o en otras palabras, le permita desarrollar sus actividades cotidianas de una manera cómoda y simple. Este artista desarrolla un sistema llamado el modulor el cual toma en cuenta las proporciones humanas y empieza a desarrollar sus obras en torno a esta nueva manera de medir.
Por supuesto que todavía esta presente el ornamento en arquitectos que se desarrollan en la misma época, no hay mejor ejemplo que Antonio Gaudi. Sus obras no pueden estar mas cargadas de ornamentos y colores, mientras hay otros que ya los han dejado de lado. Se ve como el ornamento va perdiendo importancia y aunque todavía se aplica, ya hay obras que sin este son estéticamente puras y limpias y funcionan igual.
Loos habla de cómo el ornamento para el no tiene sentido, ya que el lo ve como algo extra, entonces cita “hacerlo todo por una razón, hacerlo todo de modo que la razón resulte aparente y se justifiquen los medios en busca del fin en el primer principio del arte, en tanto que el primer principio de la moda es hacerlo todo sin mas razón que la de hacer algo diferente.” Esto significa que al hacer arte, tiene que tener una razón, una función, en donde el ornamento queda como una decoración, algo extra que se agrega, no siendo lo mas importante de una obra. Se habla de cómo el ornamento en el pasado era algo necesario, se veía de la mano con la arquitectura, una obra no estaba concluida sin sus ornamentos y como en un punto, estos dos se vieron como inseparables. Hoy en día, los ornamentos se ven como algo mas, algo extra y algo que se tiene que manejar con cuidado, ya que la decoración puede arruinar una obra si no se emplea de manera correcta.
Sullivan cita en 1892 que el “redundaría en nuestro beneficio estético si nos abstuviéramos por completo del uso del ornamento por un período de años, para que nuestro pensamiento se concentrase vivamente en la producción de edificios bien formados y airosos en su desnudez”. A lo que se refiere es que si se renunciara en esa época al ornamento, se le daría mas importancia a la arquitectura pura que a lo simple cargado de ornamentos, a lo funcional, a lo elemental, mas que a lo primordial.
Dejando el ornamento de lado, se puede llegar a otras teoría que se han ido desarrollando en el siglo XX. El deconstructivismo empieza a desarrollarse a partir de una reacción contra la postmodernidad y empieza a aparecer en la segunda mitad del siglo XX. La postmodernidad que se desarrolla antes trata de volver a implementar el ornamento y adoptar tipologías del pasado. Se empiezan a adquirir columnas, molduras, pilastras en forma de ornamento y acá es donde entra el deconstructivismo.
El deconstructivismo nace de una rama teórica llamada posestructuralista, el cual se empieza a desarrollar en Francia en 1960. Su nacimiento se causo gracias a que se quería dar prioridad del estructuralismo en las ciencias humanas como la filosofía, antropología, historia, etc. Se empieza a dar el movimiento en cuanto se detectan fallas en las características principales de el estructuralismo original en Estados Unidos. Se dice que este movimiento contaba con importantes limitaciones teóricas y se empezaron a meter en el temas que no se consideraban estructuralistas.
Este movimiento se concentra en cuestionar jerarquías implícitas en la identificación del estructuralismo y sus características. Este abarca teorías del estructuralismo que se enfocan en renunciar a el desarrollo de paradigmas críticos y análogos. Los estructuralistas conllevan sus análisis en momentos determinados y por lo que no se puede tomar en cuenta análisis que son diacrónicos o históricos. De acuerdo con esto vuelve a entrar el destructuralismo, donde se habla de cómo este nuevo movimiento quiere tomar la historia y darle mayor importancia, tomarla en cuenta, y desarrollar nuevos entendimientos teóricos de acuerdo al tema de estudio.
De este movimiento destructuralista nace el deconstrucción, la cual es de las teorías mas importantes de este mismo. Esta rama se empieza a desarrollar a finales de la década de los 80 y cuenta con grandes cambios desde el funcionalismo. Su mayor interés es romper con lo ordinario y demostrar una auto contradicción textual y visual, lo geométrico básico que se ha visto desde hace ya mucho tiempo. Se quiere lograr distorsionar y cambiar algunos principios fundamentales de la arquitectura.
En lo textual, se quieren lograr contradicciones en lo que el autor quiere decir y lo que el texto realmente comunica al lector, se quiere lograr que el texto sea mas complejo y no solo lo que se quiera comunicar sea lo que el mismo texto en su totalidad expresa. Esto conlleva a pensar que no hay un solo significado para los textos y como en base con lo que expresa el autor, los lectores pueden tener diferentes puntos de vista y opinión.
En la arquitectura, se quiere romper con la historia de la misma y lo ya conocido, se quiere llegar a una arquitectura nueva, diferente a lo ya establecido en el pasado. Se hace una comparación de como la geometría se convierte en esencial para los deconstructivistas como los postmodernista necesitan el ornamento. Se ve como el deconstructivista pelea contra la geometría y termina usándola únicamente para cambiarla. Un claro ejemplo de esto es la obra de Vitra Design Museum de Frank Gehry, en donde se utiliza al principio del diseño un rectángulo blanco común y corriente como se utiliza en cualquier otra galería, y se empieza a deformar y cambiar hasta que este termina siendo una figura totalmente abstracta, lo son el cubismo y el expresionismo abstracto. Como se puede ver, se toma en cuenta lo modernista, lo simple y se le agrega lo constructivista, lo cual le da un poco mas de pensamiento y complejidad.
Este movimiento por mas complejo que sea en sus trabajos arquitectónicos rechaza totalmente al ornamento. Si, se tratan de romper las figuras geométricas, lograr diseños no lineales, formas no rectilíneas, etc. pero las obras siempre son limpias y finas, sin detalles extras mas que lo necesario. Sus mas importantes características son
• Deformación de geometría
• Diseños no lineales
• No rectilíneas
• Concentrarse en la superficie de las obras
• Lograr un caos controlado que se entienda como caos pero a la hora de analizarlo no lo sea
• Fragmentación de figuras
Conclusión:
Analizando como van cambiando las teorías a lo largo del tiempo se ve como todo empieza a cambiar y como dependiendo de la época la arquitectura que se desarrolla va a ser totalmente diferente. El ornamento en su época fue lo mas importante y se puede ver en miles de obras desarrolladas en su época.
Cuando se empiezan a desarrollar teorías y movimientos mas limpios como lo son el modernismo, deconstructivismo y funcionalismo, hay alguno opositores pero con el tiempo se van desarrollando las ideas. Se ve como algunas se mezclan con otras por ejemplo el postmodernismo trata de implementar de nuevo el ornamento mientras que el deconstructivismo lo rechaza y como de cierta manera los movimientos modernos se preocupan mucho por la funcionalidad de un espacio. Se ve como no solo el espacio tiene que ser físicamente agradable, si no que sus funciones se tienen que cumplir bien y los usuarios se tienen que sentir a gusto en este mismo.
El deconstructivismo hoy en día esta muy presente en la arquitectura al igual que el funcionalismo, creo que es importante denotar como estas teorías, las cuales de desarrollaron hace 30 años o mas siguen estando presentes hoy en día. Hay muchos seguidores de ambos estilos, los cuales son muy complejos y completos.
Bibliografía:
• Ornamento y delito Adolf Loos, http://www.artesdellibro.com/2006/10/ornamento_y_delito_adolf_loos.php, 3 de agosto 2011
• Le Corbusier, http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=93, 2 de agosto 2011
• La teoría social, http://www.scribd.com/doc/17406337/El-Estructuralismo-y-El-Postestructuralismo-Giddens, 3 de agosto de 2011
Anexos:
Ensayo final
Teoría III
Carlos Mata
A través del tiempo, se ha cuestionado si el ornamento es necesario o no, si agrega belleza a sus obras o mas bien las recarga. Por ornamento, se habla de un conjunto de elementos o composiciones creadas para embellecer o complementar una obra arquitectónica. Desde las culturas antiguas, se puede ver como el ornamento es utilizado, desde los egipcios hasta los indios, griegos, hindús, hasta lo gótico de Italia se puede ver como sus obras y su arquitectura estaba llena y cargada de elementos. Esta arquitectura es bella y sus ornamentos hacen que llame la atención y es famosa por lo mismo, pero lo que se ha llegado a cuestionar es si esta ornamentación es necesaria hoy en día y si algunas de estas obras funcionarían si se eliminara era ornamentación, si son lo suficientemente fuertes por si solas sin lo extra.
Adolf Loos habla sobre como, según el, el ornamento no es nada mas que decoración, como establece Adolf Loos, “no creo que el placer de un trabajo lo produzca la ornamentación, ni tampoco creo que la ornamentación tengan un privilegio especial para la consecución de la felicidad.” Como se establece en esta cita, según Loos, el ornamento no es lo mas importante de una obra arquitectónica ni los sentimientos que se crean en un espectador son producidos por el mismo ornamento, si no que la arquitectura en si tiene que hablar por si misma, mas que los detalles que se le agreguen. Según el la ornamentación no crea felicidad, lo que hace que una arquitectura funcione son sus espacios y sus formas, mas que lo que va por fuera.
En el ultimo siglo, se ha dejado de lado la ornamentación, que aunque todavía esta presente en los trabajos de varios arquitectos de la época, ha pasado a ser la segunda importancia. Se ve como a principios del siglo XX se entra en una época de funcionalismo, en donde mas que los detalles entran en el primer plano la funcionalidad y la simpleza. Se toman en cuenta las necesidades básicas de un usuario para desarrollar un proyecto en torno a estas mismas y la mayor importancia es que ya una vez concluido el proyecto funcione de acuerdo a lo que se planeo.
El mejor ejemplo para hablar de esto es el arquitecto Mies Van Der Rohe, el cual empieza a emplear materiales como el acero el vidrio y el hormigón en su arquitectura. En su trabajo Farnsworh House, se denota como la simpleza se vuelve funcional y como con lo básico, las necesidades esenciales cumplen su papel y hacen que el espacio funcione perfectamente. El uso de materiales tan comerciales se da básicamente por la época de guerra en la que se vive, en la cual lo básico era lo que estaba en el mercado, mientras la mayor importancia iba a las armas. El vidrio, hormigón y acero era lo que mas se encontraba y fue lo que este arquitecto uso para sus obras. En donde las bases de la construcción son las líneas rectas y los volúmenes elementales. En estas, no hay presencia de ornamentos, quedo en el pasado, las líneas y figuras geométricas básicas son lo que se usa, mientras lo complejo y los detalles se dejan de lado. En sus obras las mismas estructuras de un trabajo quedan siempre a la vista y forman parte de lo estético del mismo.
Un arquitecto muy importante que implementa el funcionalismo es Le Corbusier, el cual cree que la arquitectura debe de basarse en tres principios primordiales del usuario, los cuales se denominan habitar, trabajar y relajarse. Con esto se refiere a que una obra debe de ser simple y pura, pero debe adaptarse a las tres necesidades de el usuario al que este dirigida y al cual le permita habitar trabajar y relajarse, o en otras palabras, le permita desarrollar sus actividades cotidianas de una manera cómoda y simple. Este artista desarrolla un sistema llamado el modulor el cual toma en cuenta las proporciones humanas y empieza a desarrollar sus obras en torno a esta nueva manera de medir.
Por supuesto que todavía esta presente el ornamento en arquitectos que se desarrollan en la misma época, no hay mejor ejemplo que Antonio Gaudi. Sus obras no pueden estar mas cargadas de ornamentos y colores, mientras hay otros que ya los han dejado de lado. Se ve como el ornamento va perdiendo importancia y aunque todavía se aplica, ya hay obras que sin este son estéticamente puras y limpias y funcionan igual.
Loos habla de cómo el ornamento para el no tiene sentido, ya que el lo ve como algo extra, entonces cita “hacerlo todo por una razón, hacerlo todo de modo que la razón resulte aparente y se justifiquen los medios en busca del fin en el primer principio del arte, en tanto que el primer principio de la moda es hacerlo todo sin mas razón que la de hacer algo diferente.” Esto significa que al hacer arte, tiene que tener una razón, una función, en donde el ornamento queda como una decoración, algo extra que se agrega, no siendo lo mas importante de una obra. Se habla de cómo el ornamento en el pasado era algo necesario, se veía de la mano con la arquitectura, una obra no estaba concluida sin sus ornamentos y como en un punto, estos dos se vieron como inseparables. Hoy en día, los ornamentos se ven como algo mas, algo extra y algo que se tiene que manejar con cuidado, ya que la decoración puede arruinar una obra si no se emplea de manera correcta.
Sullivan cita en 1892 que el “redundaría en nuestro beneficio estético si nos abstuviéramos por completo del uso del ornamento por un período de años, para que nuestro pensamiento se concentrase vivamente en la producción de edificios bien formados y airosos en su desnudez”. A lo que se refiere es que si se renunciara en esa época al ornamento, se le daría mas importancia a la arquitectura pura que a lo simple cargado de ornamentos, a lo funcional, a lo elemental, mas que a lo primordial.
Dejando el ornamento de lado, se puede llegar a otras teoría que se han ido desarrollando en el siglo XX. El deconstructivismo empieza a desarrollarse a partir de una reacción contra la postmodernidad y empieza a aparecer en la segunda mitad del siglo XX. La postmodernidad que se desarrolla antes trata de volver a implementar el ornamento y adoptar tipologías del pasado. Se empiezan a adquirir columnas, molduras, pilastras en forma de ornamento y acá es donde entra el deconstructivismo.
El deconstructivismo nace de una rama teórica llamada posestructuralista, el cual se empieza a desarrollar en Francia en 1960. Su nacimiento se causo gracias a que se quería dar prioridad del estructuralismo en las ciencias humanas como la filosofía, antropología, historia, etc. Se empieza a dar el movimiento en cuanto se detectan fallas en las características principales de el estructuralismo original en Estados Unidos. Se dice que este movimiento contaba con importantes limitaciones teóricas y se empezaron a meter en el temas que no se consideraban estructuralistas.
Este movimiento se concentra en cuestionar jerarquías implícitas en la identificación del estructuralismo y sus características. Este abarca teorías del estructuralismo que se enfocan en renunciar a el desarrollo de paradigmas críticos y análogos. Los estructuralistas conllevan sus análisis en momentos determinados y por lo que no se puede tomar en cuenta análisis que son diacrónicos o históricos. De acuerdo con esto vuelve a entrar el destructuralismo, donde se habla de cómo este nuevo movimiento quiere tomar la historia y darle mayor importancia, tomarla en cuenta, y desarrollar nuevos entendimientos teóricos de acuerdo al tema de estudio.
De este movimiento destructuralista nace el deconstrucción, la cual es de las teorías mas importantes de este mismo. Esta rama se empieza a desarrollar a finales de la década de los 80 y cuenta con grandes cambios desde el funcionalismo. Su mayor interés es romper con lo ordinario y demostrar una auto contradicción textual y visual, lo geométrico básico que se ha visto desde hace ya mucho tiempo. Se quiere lograr distorsionar y cambiar algunos principios fundamentales de la arquitectura.
En lo textual, se quieren lograr contradicciones en lo que el autor quiere decir y lo que el texto realmente comunica al lector, se quiere lograr que el texto sea mas complejo y no solo lo que se quiera comunicar sea lo que el mismo texto en su totalidad expresa. Esto conlleva a pensar que no hay un solo significado para los textos y como en base con lo que expresa el autor, los lectores pueden tener diferentes puntos de vista y opinión.
En la arquitectura, se quiere romper con la historia de la misma y lo ya conocido, se quiere llegar a una arquitectura nueva, diferente a lo ya establecido en el pasado. Se hace una comparación de como la geometría se convierte en esencial para los deconstructivistas como los postmodernista necesitan el ornamento. Se ve como el deconstructivista pelea contra la geometría y termina usándola únicamente para cambiarla. Un claro ejemplo de esto es la obra de Vitra Design Museum de Frank Gehry, en donde se utiliza al principio del diseño un rectángulo blanco común y corriente como se utiliza en cualquier otra galería, y se empieza a deformar y cambiar hasta que este termina siendo una figura totalmente abstracta, lo son el cubismo y el expresionismo abstracto. Como se puede ver, se toma en cuenta lo modernista, lo simple y se le agrega lo constructivista, lo cual le da un poco mas de pensamiento y complejidad.
Este movimiento por mas complejo que sea en sus trabajos arquitectónicos rechaza totalmente al ornamento. Si, se tratan de romper las figuras geométricas, lograr diseños no lineales, formas no rectilíneas, etc. pero las obras siempre son limpias y finas, sin detalles extras mas que lo necesario. Sus mas importantes características son
• Deformación de geometría
• Diseños no lineales
• No rectilíneas
• Concentrarse en la superficie de las obras
• Lograr un caos controlado que se entienda como caos pero a la hora de analizarlo no lo sea
• Fragmentación de figuras
Conclusión:
Analizando como van cambiando las teorías a lo largo del tiempo se ve como todo empieza a cambiar y como dependiendo de la época la arquitectura que se desarrolla va a ser totalmente diferente. El ornamento en su época fue lo mas importante y se puede ver en miles de obras desarrolladas en su época.
Cuando se empiezan a desarrollar teorías y movimientos mas limpios como lo son el modernismo, deconstructivismo y funcionalismo, hay alguno opositores pero con el tiempo se van desarrollando las ideas. Se ve como algunas se mezclan con otras por ejemplo el postmodernismo trata de implementar de nuevo el ornamento mientras que el deconstructivismo lo rechaza y como de cierta manera los movimientos modernos se preocupan mucho por la funcionalidad de un espacio. Se ve como no solo el espacio tiene que ser físicamente agradable, si no que sus funciones se tienen que cumplir bien y los usuarios se tienen que sentir a gusto en este mismo.
El deconstructivismo hoy en día esta muy presente en la arquitectura al igual que el funcionalismo, creo que es importante denotar como estas teorías, las cuales de desarrollaron hace 30 años o mas siguen estando presentes hoy en día. Hay muchos seguidores de ambos estilos, los cuales son muy complejos y completos.
Bibliografía:
• Ornamento y delito Adolf Loos, http://www.artesdellibro.com/2006/10/ornamento_y_delito_adolf_loos.php, 3 de agosto 2011
• Le Corbusier, http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=93, 2 de agosto 2011
• La teoría social, http://www.scribd.com/doc/17406337/El-Estructuralismo-y-El-Postestructuralismo-Giddens, 3 de agosto de 2011
Anexos:
Caoidea
Andrea Gutiérrez
Ensayo caoidea
Carlos Mata
Caoidea
Gilles Deleuze fue un filosofo francés considerado de los mas importantes de su época. En su texto “Caoidea” habla sobre como esta palabra se divide en dos idea y caos. Se explica como estas dos partes funcionan por aparte pero al mismo tiempo pueden llegar a complementarse.
Las ideas se pueden escapar, uno puede tener una idea, un pensamiento y tan rápido como uno lo esta pensando puede pasar y desvanecerse. Al mezclarse con otras ideas conforme la misma se va desarrollando, la original se va cambiando hasta que ya no es lo que era al principio. Para prevenir esto, se utilizan opiniones ya establecidas por otros y se le unen las ideas propias, para lograr tener un orden y que no se salgan de control y terminen siendo ideas extraviadas. Se debería de pasar de una idea a otra, concatenarlas, de acuerdo a un orden de espacio y tiempo para mantener la idea en lo que verdaderamente es la original. Deleuze cita “que impida a nuestra "fantasía" (el delirio, la locura) recorrer el universo en un instante para engendrar de él caballos alados y dragones de fuego. Con lo que se refiere que se utilicen esas ideas ya conocidas para que no se pierda la línea de la misma. Se menciona como el delirio y la locura, lo cual forman las fantasías son los aspectos que logran que se pierda la idea y que termine en otra.
La idea nace cuando hay una imagen o percepción, que crean algún tipo de percepción y es así como empieza su desarrollo y va creciendo. Cuando se encuentra una imagen o objeto con el pensamiento, se necesita una sensación, para que se sepa y haya un recuerdo, una prueba, una garantía de lo que paso y saber si en verdad paso o no.
Por otro lado, el caos también aparece y desaparece, dejando desorden. Este no es nada, sino un grupo de ideas infinitas que nacen solo para desaparecer. Deleuze expresa que el mismo es “el estado amorfo e indefinido que se supone anterior a la ordenación de los cosmos”. Este existe, esta presente, pero aparece para solo después dejar desorden tras el y volver a desvanecerse. El caos es una velocidades infinita en el cual todo se forma y desaparece con igual rapidez. Como se entiende en la frase anterior, se supone que el caos nace de la nada y que deja su rastro, pero al mismo tiempo lo que queda es indefinido.
El caos y la idea por separado necesitan de otras vaciables para funcionar, sin embargo, cuando estos dos se unen para lograr el termino caoidea, se complementan. La unión de ambos puede crear sensaciones y dejan una garantía de lo que paso. La idea que se logre expresar y desarrollar sin perder su hilo, es por que una sensación hizo que se quedara y se lograra llevar a cabo. Por eso la caoidea se define como las realidades producidas en planos que seccionan el caos, por que son ideas que se logran concretar por la unión de el caos con la idea y llegan a volver realidades que se desarrollan.
La idea de lograra desarrollar dependiendo de como el caos la influye. Por lo que, primero tiene que haber una sensación existente que produce algo, un pensamiento o una idea, la cual es seguida por caos y dependiendo de como este le afecte a la misma idea, su desarrollo va a ser diferente. A partir de la idea ya concretada, se toman en cuenta ideas y opiniones ya establecidas para lo perder el hilo que se quiere seguir y no llegar a perder la idea.
La realidad se define como el conjunto de aquello tangible e intangible que compone nuestra existencia según Deleuze. Las ideas son parte de las realidades y por mas que estás vayan y vengan y se desvanezcan tan rápido como aparecen, son parte de esta realidad tangible e intangible en la que se vive.
Para sumergirse en el caos, cada una de estas ideas, tiene sus diferentes acercamientos al caos.
“La filosofía, la ciencia y el arte quieren que desgarremos el firmamento y que nos sumerjamos en el caos.” Según Gilles, estos tres elementos trazan planos en el caos y son lo que definen el pensamiento. Estas son las tres diferentes maneras de afrontar el caos, lo infinito.
El filosofo atrae variables que aunque poseen posibilidades infinitas forman un concepto. No son solamente ideas diferenciadas, si no la indistinción de un concepto, convertidas en inseparables. Ya no es una sola idea que pasa por la mente y se desvanece, si no es la unión de indistinción de un concepto o una idea anteriormente desarrollada. Se procura proteger al infinito dándole seguridad y estabilidad, por medio de trazar un plano de inmanencia, de esencia. Esta rama lo que procura es abrir puertas con posibilidades, dudas y preguntas.
Es aquí donde entra el científico, según Deleuze, mezclar la filosofía con el concepto de la ciencia, lograría un equilibrio. Lo que este pretende lograr, el científico, es darle una respuesta a la serie de variables y preguntas que se hacen los filósofos, trazando coordenadas para definir el estado de los acontecimientos. Este trae el caos unas variables convertidas en independientes. Se eliminan las variables que no se necesitan, que van a interferir y se desarrollan y conservan las otras, a las cuales de les aplican determinadas relacionas. Ya no es la unión de las cosas, si no lograr llegar a una referencia o a una idea que nos logre dar números y referencias. Ya no se trata de lo infinito, de lo inexplicable, si no de referencias y variables.
El artista lo que hace es utilizar las variables sensibles, extrae del caos variables que no sean una copia de lo sensible si no que formen un de sensible, que formen algo de una sensación. Y que esto, esta sensación pueda ser diferente en cada persona, volviendo así, a lo infinito, a las posibilidades infinitas. Se vuelven representaciones infinitas bajo la acción de figuras estéticas. Por lo que se puede decir que el arte es el único que en vez de tratar de investigar o explicar el caos, es el que lo utiliza para convertirlo en algo real, una idea, una sensación, mientras los otros lo que pretenden es controlar este infinito, este caos por medio de variables y preguntas.
Se habla de un paraguas, el cual protege a la gente del caos en donde debajo de este, en su inferior, se crean ideas y opiniones sin que entre el caos y desvanezca estas mismas. Una opinión solo se puede forjar si se tiene este paraguas que los protege de todas las otras ideas que nos pueden arruinar la que ya se tiene. El arte, el artista y el poeta buscan mas bien rasgar este paraguas para dejar entrar un poco de caos, el cual produzca una sensación de la cual les nazcan ideas para hacer una obra. Ya que esta rama se trata se las sensaciones, se podría decir que sin el caos y las ideas no habrían sensaciones y sin estas no se podría crear arte ya que no habría inspiración ni sentimientos que logren desarrollarlo. El arte le abre las puertas al infinito, a sus posibilidades e ideas infinitas mientras la ciencia quiere una explicación para todo, renunciando y dejando ir el infinito.
Cada una de las disciplinas del caos lo ven de una manera diferente y tienen una crisis distinta. La lucha contra este mismo no se puede lograr sin afinar al enemigo ya que hay una lucha mayor, que es la opinión la cual también en su propia manera pretende protegernos del caos, aferrándonos a sensaciones e ideas ya establecidas
Bibliografía:
Del caos al cerebro, Gilles Deleuze, http://www.ddooss.org/articulos/otros/Gilles_Deleuze.htm, 29 de julio 2011.
Ensayo caoidea
Carlos Mata
Caoidea
Gilles Deleuze fue un filosofo francés considerado de los mas importantes de su época. En su texto “Caoidea” habla sobre como esta palabra se divide en dos idea y caos. Se explica como estas dos partes funcionan por aparte pero al mismo tiempo pueden llegar a complementarse.
Las ideas se pueden escapar, uno puede tener una idea, un pensamiento y tan rápido como uno lo esta pensando puede pasar y desvanecerse. Al mezclarse con otras ideas conforme la misma se va desarrollando, la original se va cambiando hasta que ya no es lo que era al principio. Para prevenir esto, se utilizan opiniones ya establecidas por otros y se le unen las ideas propias, para lograr tener un orden y que no se salgan de control y terminen siendo ideas extraviadas. Se debería de pasar de una idea a otra, concatenarlas, de acuerdo a un orden de espacio y tiempo para mantener la idea en lo que verdaderamente es la original. Deleuze cita “que impida a nuestra "fantasía" (el delirio, la locura) recorrer el universo en un instante para engendrar de él caballos alados y dragones de fuego. Con lo que se refiere que se utilicen esas ideas ya conocidas para que no se pierda la línea de la misma. Se menciona como el delirio y la locura, lo cual forman las fantasías son los aspectos que logran que se pierda la idea y que termine en otra.
La idea nace cuando hay una imagen o percepción, que crean algún tipo de percepción y es así como empieza su desarrollo y va creciendo. Cuando se encuentra una imagen o objeto con el pensamiento, se necesita una sensación, para que se sepa y haya un recuerdo, una prueba, una garantía de lo que paso y saber si en verdad paso o no.
Por otro lado, el caos también aparece y desaparece, dejando desorden. Este no es nada, sino un grupo de ideas infinitas que nacen solo para desaparecer. Deleuze expresa que el mismo es “el estado amorfo e indefinido que se supone anterior a la ordenación de los cosmos”. Este existe, esta presente, pero aparece para solo después dejar desorden tras el y volver a desvanecerse. El caos es una velocidades infinita en el cual todo se forma y desaparece con igual rapidez. Como se entiende en la frase anterior, se supone que el caos nace de la nada y que deja su rastro, pero al mismo tiempo lo que queda es indefinido.
El caos y la idea por separado necesitan de otras vaciables para funcionar, sin embargo, cuando estos dos se unen para lograr el termino caoidea, se complementan. La unión de ambos puede crear sensaciones y dejan una garantía de lo que paso. La idea que se logre expresar y desarrollar sin perder su hilo, es por que una sensación hizo que se quedara y se lograra llevar a cabo. Por eso la caoidea se define como las realidades producidas en planos que seccionan el caos, por que son ideas que se logran concretar por la unión de el caos con la idea y llegan a volver realidades que se desarrollan.
La idea de lograra desarrollar dependiendo de como el caos la influye. Por lo que, primero tiene que haber una sensación existente que produce algo, un pensamiento o una idea, la cual es seguida por caos y dependiendo de como este le afecte a la misma idea, su desarrollo va a ser diferente. A partir de la idea ya concretada, se toman en cuenta ideas y opiniones ya establecidas para lo perder el hilo que se quiere seguir y no llegar a perder la idea.
La realidad se define como el conjunto de aquello tangible e intangible que compone nuestra existencia según Deleuze. Las ideas son parte de las realidades y por mas que estás vayan y vengan y se desvanezcan tan rápido como aparecen, son parte de esta realidad tangible e intangible en la que se vive.
Para sumergirse en el caos, cada una de estas ideas, tiene sus diferentes acercamientos al caos.
“La filosofía, la ciencia y el arte quieren que desgarremos el firmamento y que nos sumerjamos en el caos.” Según Gilles, estos tres elementos trazan planos en el caos y son lo que definen el pensamiento. Estas son las tres diferentes maneras de afrontar el caos, lo infinito.
El filosofo atrae variables que aunque poseen posibilidades infinitas forman un concepto. No son solamente ideas diferenciadas, si no la indistinción de un concepto, convertidas en inseparables. Ya no es una sola idea que pasa por la mente y se desvanece, si no es la unión de indistinción de un concepto o una idea anteriormente desarrollada. Se procura proteger al infinito dándole seguridad y estabilidad, por medio de trazar un plano de inmanencia, de esencia. Esta rama lo que procura es abrir puertas con posibilidades, dudas y preguntas.
Es aquí donde entra el científico, según Deleuze, mezclar la filosofía con el concepto de la ciencia, lograría un equilibrio. Lo que este pretende lograr, el científico, es darle una respuesta a la serie de variables y preguntas que se hacen los filósofos, trazando coordenadas para definir el estado de los acontecimientos. Este trae el caos unas variables convertidas en independientes. Se eliminan las variables que no se necesitan, que van a interferir y se desarrollan y conservan las otras, a las cuales de les aplican determinadas relacionas. Ya no es la unión de las cosas, si no lograr llegar a una referencia o a una idea que nos logre dar números y referencias. Ya no se trata de lo infinito, de lo inexplicable, si no de referencias y variables.
El artista lo que hace es utilizar las variables sensibles, extrae del caos variables que no sean una copia de lo sensible si no que formen un de sensible, que formen algo de una sensación. Y que esto, esta sensación pueda ser diferente en cada persona, volviendo así, a lo infinito, a las posibilidades infinitas. Se vuelven representaciones infinitas bajo la acción de figuras estéticas. Por lo que se puede decir que el arte es el único que en vez de tratar de investigar o explicar el caos, es el que lo utiliza para convertirlo en algo real, una idea, una sensación, mientras los otros lo que pretenden es controlar este infinito, este caos por medio de variables y preguntas.
Se habla de un paraguas, el cual protege a la gente del caos en donde debajo de este, en su inferior, se crean ideas y opiniones sin que entre el caos y desvanezca estas mismas. Una opinión solo se puede forjar si se tiene este paraguas que los protege de todas las otras ideas que nos pueden arruinar la que ya se tiene. El arte, el artista y el poeta buscan mas bien rasgar este paraguas para dejar entrar un poco de caos, el cual produzca una sensación de la cual les nazcan ideas para hacer una obra. Ya que esta rama se trata se las sensaciones, se podría decir que sin el caos y las ideas no habrían sensaciones y sin estas no se podría crear arte ya que no habría inspiración ni sentimientos que logren desarrollarlo. El arte le abre las puertas al infinito, a sus posibilidades e ideas infinitas mientras la ciencia quiere una explicación para todo, renunciando y dejando ir el infinito.
Cada una de las disciplinas del caos lo ven de una manera diferente y tienen una crisis distinta. La lucha contra este mismo no se puede lograr sin afinar al enemigo ya que hay una lucha mayor, que es la opinión la cual también en su propia manera pretende protegernos del caos, aferrándonos a sensaciones e ideas ya establecidas
Bibliografía:
Del caos al cerebro, Gilles Deleuze, http://www.ddooss.org/articulos/otros/Gilles_Deleuze.htm, 29 de julio 2011.
martes, 21 de junio de 2011
Semiotica en la arquitectura
Andrea Gutiérrez Breedy
201010007
Teoría III
Arq. Carlos Mata
La semiótica en la arquitectura
La semiótica empezó siendo el estudio del lenguaje, de las letras como símbolos y sus significados. Se estudiaba su significado en si y en su entorno y a esto se le llamaba semiología. Con el tiempo, este estudio se desarrollo y mas que el lenguaje, se empezó a estudiar el significado de la figura, materiales, colores, entre otros. Hoy en día la semiótica en la arquitectura estudia su significado, el por que de sus elementos, formas, colores. Se analiza el elemento en todo y sus partes para darle un significado total.
En el libro complejidad y contradicción de Robert Venturi, se analizan a lo largo de este, varios ejemplos de trabajos en donde se estudia el por que de ciertos elementos, fachadas, y distribución del espacio. Estas son cosas que fácilmente se podría decir que son análisis de semiótica en ejemplos arquitectónicos.
El arquitecto a la hora de diseñar una casa o edificio, escoge sus formas, acabados y recorridos, por lo que esto le da carácter y significado a la misma estructura. “La arquitectura es forma y substancia –abstracta y concreta- y su significado procede de sus características internas y determinado contexto” (Robert Venturi) En esta cita del libro, se da a entender como a partir de la misma forma de un área, esta crea su significado al mismo tiempo. Lo cual viene a ser muy cierto, el lenguaje que un arquitecto escoja en su proyecto, sea abstracto o concreto va a crear ciertas emociones en los que lo ven y su significado será diferente dependiendo de esto mismo. El significado y razón de una obra viene de cómo este mismo se exprese, y lo que se quiere dar a entender y expresar.
Mas que un significado y un por que de un proyecto arquitectónico, tiene que ver con lo que hace a una persona sentir, que percibe uno al entrar a un espacio, se sentirá asfixiado o libre, frio o calor, acogedor o insignificante, todo esto depende del lenguaje que el mismo arquitecto quiera transmitir. Cada elemento nos hace sentir de alguna manera, nos devuelve algo, sea negativo o positivo, algo se siente. Sea una escalera en espiral, una columna gigante donde no se espera, una división, la entrada a una construcción, hasta el mismo acabado de los elementos, sea lo que sea, crea sentimientos y hace al espectador sentirse de cierta manera.
Sea cual sea el lenguaje que se quiere usar en un trabajo, tiene que ser el mismo a lo largo de este. Si se quiere llenar de ornamentos, todo tendrá que llevar ornamentos, si se quiere que la estructura sea lineal y cuadrada, que sea así a lo largo de este completo. Es importante usar un mismo lenguaje para crear unión, unificación; que al entrar a un lugar, y al recorrerlo, se sienta como uno solo, no se pierda ese cordón de unión.
Según Kahn, “Arquitectura debe de tener ambos espacios buenos y malos”. Lo cual es totalmente verdad, entendiéndolo como que la arquitectura debe de contar con espacios llenos y vacíos, zonas de estar y zonas de paso, mas que espacios buenos y malos, un equilibrio total en todo su espacio. Es importante que no todas las áreas sean de estar, sino que hayan de estar conectadas zonas de paso, las cuales también pueden tener sus actividades, pero lo importante es que haya un balance. Al llegar a un balance, seria una obra, en la cual haya equilibrio total, zonas no muy vacías ni muy llenas, o tal vez algunas vacías y otras llenas dependiendo del uso que se les de. Espacios grandes y pequeños que en total creen equidad.
Aparte del equilibrio entre espacios, se debe de pensar en el conjunto en total, de una obra como un solo sin pensar en partes separadas. Para que se entienda y se conecten los espacios, se tiene que pensar en que cada uno independiente afecta a los que tiene alrededor, y sus características tienen que ser similares, un mismo lenguaje y que este le de la obra un significado en si. Según Robert Venturi “El conjunto depende de la posición, del numero y de las características intrínsecas de las partes.” Con esto se da a entender que para lograr crear un conjunto y que sea uno solo, las características de las partes deben de ser similares y cada detalle de ellas va a afectar la unión. La distancia, posición, cerramientos, cantidad de objetos y características son factores que se tienen que tomar en cuenta y que si se logran controlar, fácilmente crean un conjunto.
Es importante detallar que se quiere lograr un conjunto para que se de a entender la esencia, el significado y mensaje de una obra. Cada detalle en singular y conjunto importa y afecta para logar esto. Lo ideal es que si se ve toda la obra, se entienda que es una misma al igual que si se ven partes de esta, también se de a entender el lenguaje utilizado; que desde la estructura hasta el acabado, lo necesario y lo decorativo, todo en si cuente y se relacione.
El significado y lenguaje de una obra arquitectónica es muy importante ya que esta se ve como mas que solo una construcción, es arte, es sentimientos y sensaciones. La arquitectura paso de ser una vivienda a un espacio arquitectónico agradable para todos sus usuarios y es importante ver la diferencia. A la hora de encontrar un significado, unión y ver la obra como una sola, es por que esta tiene suma importancia artística y se quiere lograr transmitir el mensaje del arquitecto y lo que este quiere dar a relucir.
Al darle tanta importancia a lo artístico, se pierde o mas como se une la funcionalidad con la estética de la obra, lo cual es positivo, ya que ahora no solo es algo cómodo para habitar y usar, sino es algo que aparte de cómodo y funcional se vuelve agradable para el espectador y usuario. Esta mezcla crea un buen equilibro ya que lleva la arquitectura a otro nivel y le da un mayor significado e importancia. Al haber obras espectaculares en forma y espacio, que al mismo tiempo todavía son totalmente funcionales y aptas para ser usadas, se les da mucha mas importancia y se vuelven famosas alrededor del mundo.
Se puede ver como la arquitectura ha ido evolucionando y como cada vez el significado e importancia de la misma se ha vuelto mas común en esta rama. Hoy en día a la hora crear una obra, hay que tomar en cuenta el lenguaje que se usa, que sea en todo un solo conjunto y que esta tenga ambos confort, buena estética y un buen funcionamiento para el tipo de uso que se llevara a cabo. Además, es importante que se entienda el significado de los elementos utilizados y el por que del lenguaje que se decide utilizar, que el arquitecto lo haga explicito para que los espectadores lo entiendan y entiendan su significado como conjunto.
201010007
Teoría III
Arq. Carlos Mata
La semiótica en la arquitectura
La semiótica empezó siendo el estudio del lenguaje, de las letras como símbolos y sus significados. Se estudiaba su significado en si y en su entorno y a esto se le llamaba semiología. Con el tiempo, este estudio se desarrollo y mas que el lenguaje, se empezó a estudiar el significado de la figura, materiales, colores, entre otros. Hoy en día la semiótica en la arquitectura estudia su significado, el por que de sus elementos, formas, colores. Se analiza el elemento en todo y sus partes para darle un significado total.
En el libro complejidad y contradicción de Robert Venturi, se analizan a lo largo de este, varios ejemplos de trabajos en donde se estudia el por que de ciertos elementos, fachadas, y distribución del espacio. Estas son cosas que fácilmente se podría decir que son análisis de semiótica en ejemplos arquitectónicos.
El arquitecto a la hora de diseñar una casa o edificio, escoge sus formas, acabados y recorridos, por lo que esto le da carácter y significado a la misma estructura. “La arquitectura es forma y substancia –abstracta y concreta- y su significado procede de sus características internas y determinado contexto” (Robert Venturi) En esta cita del libro, se da a entender como a partir de la misma forma de un área, esta crea su significado al mismo tiempo. Lo cual viene a ser muy cierto, el lenguaje que un arquitecto escoja en su proyecto, sea abstracto o concreto va a crear ciertas emociones en los que lo ven y su significado será diferente dependiendo de esto mismo. El significado y razón de una obra viene de cómo este mismo se exprese, y lo que se quiere dar a entender y expresar.
Mas que un significado y un por que de un proyecto arquitectónico, tiene que ver con lo que hace a una persona sentir, que percibe uno al entrar a un espacio, se sentirá asfixiado o libre, frio o calor, acogedor o insignificante, todo esto depende del lenguaje que el mismo arquitecto quiera transmitir. Cada elemento nos hace sentir de alguna manera, nos devuelve algo, sea negativo o positivo, algo se siente. Sea una escalera en espiral, una columna gigante donde no se espera, una división, la entrada a una construcción, hasta el mismo acabado de los elementos, sea lo que sea, crea sentimientos y hace al espectador sentirse de cierta manera.
Sea cual sea el lenguaje que se quiere usar en un trabajo, tiene que ser el mismo a lo largo de este. Si se quiere llenar de ornamentos, todo tendrá que llevar ornamentos, si se quiere que la estructura sea lineal y cuadrada, que sea así a lo largo de este completo. Es importante usar un mismo lenguaje para crear unión, unificación; que al entrar a un lugar, y al recorrerlo, se sienta como uno solo, no se pierda ese cordón de unión.
Según Kahn, “Arquitectura debe de tener ambos espacios buenos y malos”. Lo cual es totalmente verdad, entendiéndolo como que la arquitectura debe de contar con espacios llenos y vacíos, zonas de estar y zonas de paso, mas que espacios buenos y malos, un equilibrio total en todo su espacio. Es importante que no todas las áreas sean de estar, sino que hayan de estar conectadas zonas de paso, las cuales también pueden tener sus actividades, pero lo importante es que haya un balance. Al llegar a un balance, seria una obra, en la cual haya equilibrio total, zonas no muy vacías ni muy llenas, o tal vez algunas vacías y otras llenas dependiendo del uso que se les de. Espacios grandes y pequeños que en total creen equidad.
Aparte del equilibrio entre espacios, se debe de pensar en el conjunto en total, de una obra como un solo sin pensar en partes separadas. Para que se entienda y se conecten los espacios, se tiene que pensar en que cada uno independiente afecta a los que tiene alrededor, y sus características tienen que ser similares, un mismo lenguaje y que este le de la obra un significado en si. Según Robert Venturi “El conjunto depende de la posición, del numero y de las características intrínsecas de las partes.” Con esto se da a entender que para lograr crear un conjunto y que sea uno solo, las características de las partes deben de ser similares y cada detalle de ellas va a afectar la unión. La distancia, posición, cerramientos, cantidad de objetos y características son factores que se tienen que tomar en cuenta y que si se logran controlar, fácilmente crean un conjunto.
Es importante detallar que se quiere lograr un conjunto para que se de a entender la esencia, el significado y mensaje de una obra. Cada detalle en singular y conjunto importa y afecta para logar esto. Lo ideal es que si se ve toda la obra, se entienda que es una misma al igual que si se ven partes de esta, también se de a entender el lenguaje utilizado; que desde la estructura hasta el acabado, lo necesario y lo decorativo, todo en si cuente y se relacione.
El significado y lenguaje de una obra arquitectónica es muy importante ya que esta se ve como mas que solo una construcción, es arte, es sentimientos y sensaciones. La arquitectura paso de ser una vivienda a un espacio arquitectónico agradable para todos sus usuarios y es importante ver la diferencia. A la hora de encontrar un significado, unión y ver la obra como una sola, es por que esta tiene suma importancia artística y se quiere lograr transmitir el mensaje del arquitecto y lo que este quiere dar a relucir.
Al darle tanta importancia a lo artístico, se pierde o mas como se une la funcionalidad con la estética de la obra, lo cual es positivo, ya que ahora no solo es algo cómodo para habitar y usar, sino es algo que aparte de cómodo y funcional se vuelve agradable para el espectador y usuario. Esta mezcla crea un buen equilibro ya que lleva la arquitectura a otro nivel y le da un mayor significado e importancia. Al haber obras espectaculares en forma y espacio, que al mismo tiempo todavía son totalmente funcionales y aptas para ser usadas, se les da mucha mas importancia y se vuelven famosas alrededor del mundo.
Se puede ver como la arquitectura ha ido evolucionando y como cada vez el significado e importancia de la misma se ha vuelto mas común en esta rama. Hoy en día a la hora crear una obra, hay que tomar en cuenta el lenguaje que se usa, que sea en todo un solo conjunto y que esta tenga ambos confort, buena estética y un buen funcionamiento para el tipo de uso que se llevara a cabo. Además, es importante que se entienda el significado de los elementos utilizados y el por que del lenguaje que se decide utilizar, que el arquitecto lo haga explicito para que los espectadores lo entiendan y entiendan su significado como conjunto.
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